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El debut de Octafonic sacude las bateas con poder y sofisticación

admin — Tue, 11 Nov 2014 23:08:02 +0000

NOVEDADES DISCOGRÁFICAS

El debut de Octafonic sacude las bateas con poder y sofisticación

Octafonic, el octeto liderado por Nicolás Sorín deja el jazz y se mete de lleno a deformar el rock con mucho talento y garra, mientras que los platenses de Mostruo se meten en aguas más relajadas con su nuevo trabajo “Profunda desorganización”.

“Monster”, de Octafonic.

OCTAFONIC-”MONSTER”
El pianista y arreglador Nicolás Sorín, luego de experimentar con el jazz y las bandas de sonido, se mete de lleno en terrenos rockeros, pariendo deformidades junto a un grupo de amigos que se reúnen en los estudios MCL, con los que entrega un disco interesantísimo, poderoso y muy rico en su propuesta.
Octafonic esta compuesto por Sorín en teclados y voz, Juan Manuel Alfaro en saxo alto, Leonardo Paganini en saxo tenor, Francisco Huic en saxo barítono, Sergio Álvarez en guitarra eléctrica, Esteban Sehinkman en teclados, Cirilo Fernández en bajo eléctrico y
Ezequiel Piazza en batería.
La formación se caracteriza por su virtuosismo, a la que le agregaron la suciedad, los pifies y la tracción a sangre que tiene el rock, sumado al aporte de amigos como la Eruca Sativa Lula Bertoldi, Hernán Rupolo de Connor Questa, Mariano Bonadío de Alelí Cheval y su orquesta de Metal, Eduardo Giardina y Juan Armani.
Las cercanía sonoras remiten a Faith No More en su lado menos metalero, a Frank Zappa en todas sus variantes y a discos de Herbie Hancock, con mucha locura, delirio, pero con mucha polenta, sin tibiezas jazzeras.
El disco arranca con la voz procesada de Sorin en “Monster”, una deformidad violenta y pesada, que trae recuerdos de los proyectos paralelos de Mike Patton, la voz de Faith No More y por eso es menester que en su próxima visita los Faith No More, sean teloneados por Octafonic.
En muchas ocasiones los saxos van aportar sonoridades graves que traerán a la memoria a Morphine como en el funky deforme “Plastic”, que está atravesada por momentos de furia guitarrera con buenos riffs dibujados por Alvarez y Rupolo.
El jazz y el rock locales llevaban tiempo si una propuesta tan interesante y a la vez tan potente, tan violenta como Octafonic, que se permite jugar el rock industrial a lo Nine Inch Nails en “Love”. La influencia industrial continua en “Mistifyng”, a caballito de un groove deforme de la notable base que conforman Fernández y Piazza, a los que suman los bronces para convertirlo en un funky psicótico.
“Wheels come rolling” abre más rockero medio tempo con un riff deformado por la guitarra, hasta que en el estribillo se desata una tormenta por segundos con los aportes vocales de Lula Bertoldi y Eduardo Giardina, y el sonido remite a los Faith No More.
“Waving batons” tiene un inicio más electrónico y es un lamento, denso y oscuro que va in crescendo para terminar furiosos a lo NIN, mientras que “Whisky Eyes” va transcurriendo con la batería y las guitarras amenazando todo el tiempo con desatar una tormenta eléctrica.
“Im sorry” se abre a piano, con la voz menos procesada hasta convertirse en un medio tempo, muy bien arreglada, con los bronces buscaron las sonoridades más graves.
“You can take” tiene un inicio guitarrero casi grunge, que transcurre con calma, mientras se suman sintetizadores y bronces bien oscuros. Uno de los momentos de calma, más logrados del disco.
“Full moon” se abre poderosa con la batería sonando a pleno, mientras suenan las guitarras que comienzan a luchar por destacarse, hasta lograr un final duro, mientras que “Over” es densa, agobiante melodía, que trae de nuevo la figura de Trent Reznor, y en la que la banda despliega y se despide con todo su brillo.
Sin dudas Octafonic con su disco debut se transformo en una interesante atracción, ya que siempre deberá prestársele un oído a Sorín y sus socios en la búsqueda de nuevas sonoridades, por tratarse de gente que toma riesgos y rompe la chatura.

MOSTRUO-”PROFUNDA DESORGANIZACIÓN”
Una de las bandas más interesantes surgidas en La Plata publicó su cuarto disco en el que sigue cultivando ese rock que remite a las bandas fundacionales del género en la Argentina, aunque se los nota más calmos, sutiles, apostando a un esquema Beatle con toques psicodélicos.
El grupo integrado por Kubilai Medina y Lucas Finocchi en voces y guitarras, Gabriel Ricci en bajo y Luciano Mutinelli en batería, arrancó esta “Profunda desorganización” decididos a mostrar su madurez con canciones más tranquilas como la que le da título al disco y “La Soledad”, donde se destacan los juegos de voces y los duelos de guitarras, siempre a medio tempo.
“Salva” tiene arreglos de bronces y coros y toma los ropajes de un blues, jazzeado de los 70, con cierto aire gospel, mientras que “La Piel” suena más spinettiana, otra vez con la buena conducción vocal de Finocchi y Medina.
“Ese perro” marca el regreso de rocanrol que caracterizo a la banda en sus trabajos anteriores, con riffs pegadizos, frescos, vitales y buenos arreglos vocales. “Vas a llorar” remite de nuevo al mejor rock argentino de los ’70 con una importante carga dramática desde la letra.
El disco fue editado por los sellos independiente Ultrapop y Cala, pero ya se encuentra cargado en el bandcamp de la banda, para ser escuchado. “Perdí” abre con un juego entre la acústica y la eléctrica coqueteando con un riff, hasta que va tomando caminos spinetteanos.
“Algo” arranca juguetona con un riff que la convierte en un viaje alocado en motito por una ciudad enloquecida y calurosa, arreglada con coritos a los Beach Boys y otra destacada labor de las guitarras.
“Resiliencia” abre acústica y densa, con la voz bien puesta en los ’70, oscura, grave, mientras que “El futuro” tiene la cadencia de un blues, pero suena limpia sin perder un gramo de oscuridad.
El sonido valvular, el olor a madera exuda siempre de los discos de Mostruo como en el caso del cuasi stoner rock “Todo es hoy”, donde la base sustenta el vuelo de las guitarras y sus jugueteos. “Profunda desorganización” finaliza con la épica y hermosa “El costado tierno”, donde las guitarras abren un fuego emocional muy cálido.

BURBUJA Y LOS BASICOS – “HAY MAS QUE ESO”
Primer disco de Adrián Burbuja Pérez, tecladista de Viejas Locas e Intoxicados, que se abre desde su hermosos arte de tapa, fresco, vital, con hermosas melodías pop en donde se mezcla el rock, el country, el folk y hasta elementos orquestales.
El arte de tapa, diseñado por Jimena Díaz Ferreira, es uno de los más atractivos del año, con una caja de bombones en forma de corazón que luego se abren en cuatro hojas de un trébol de la suerte.
En este proyecto Burbuja se reunió con Vladimir Vázquez en batería y coros, Gabriel Romero en guitarras y coros y Fabio Romero en bajo y coros, para plasmar en 11 canciones, todas aquellas ganas e ilusiones que atesoraba.
Como en cualquier pianista rockero argentino, en Burbuja se nota la influencia Beatle, de Charly García y del iniciático Fito Páez como en la interesante apertura que marcan “La Forma” que tiene un interesante arreglo de bronce, la lluviosa “Polvo Cósmico” a pura psicodelia argentina setentista.
“Películas” suena más rockera porque la guitarra va al frente con coros de formaciones más negras a cargo de Valentina Gonella y Maribel Lacco. “Nada más” es una hermosa melodía entre Beatle y el primer Elton John, con un romanticismo épico y notables arreglos de voces.
“Fosforece” recuerda a Seru Giran y a Jade con un bajo bien jazzero conduciendo la canción y constantes cambios de ritmo y la labor de Fabio Romero abre las puertas a un segmento bien setenta, regido por el dúo García-Spinetta, que Burbuja y los Básicos desarrollan con muy buen gusto en “Crece” donde aporta una voz bien R&B Noelia Recalde.
“Por la mitad” retoma el camino del pop-rock con una guitarra al frente y un aporte en las voces de Christian Prebetera y Agustín Rodríguez, pero el camino lleva de nuevo al grupo a los 70 a mitad entre Jade y el viejo Stevie Wonder en “Dormida”, donde se destaca el groove de la base.
“Laberintos” arranca con un piano y remite al García de principios de los 80, en una bonita balada en donde la voz aparece bien acompañada por Maribel Lacco, y ese clima continua en la interesante “Sin su mar”, donde destacan los trabajos de los viejos sintetizadores y de bronces.
Burbuja y sus Básicos plasmaron un muy buen álbum sorpresivo, interesante y arriesgado desde la propuesta y los estilos que recurre, que se cierra con “Nuestro espacio” con arreglo de cuerdas, acústica y un viaje hacia Invisible.

LOS TIROS-”DENSO Y MODERNO”
Primer disco de este grupo de Quilmes que cultiva un electropop bien bailable, bien producido y con ciertas remembranzas del mejor Virus.
La banda esta integrada por Guido Dandrea en guitarra, Eric Pflugbeil en batería, José Luis Tuzzolino en bajo, Ignacio Albini en sintetizadores y Daniel Rocha en guitarra.
El disco abre bien arriba con la pegadiza y bailable “Todos saben”, que lleva a salta enloquecido con un formato de electropop bien británico.
“Autocontrol” juguetea con los sintetizadores desde un comienzo y la banda se monta sobre el él con una melodía veraniega y fresca, mientras que “Amor Criminal” abre con un pianito bien house y luego vira a un forma de dance a lo Ibiza.
“Cuidados intensivos” tiene un ritmo más bajo, mientras que “Groupie” es más pop con las guitarras y las bases sintetizadas al frente y una pegadiza melodía en teclados.
La calma llega con “La Cura” que suena más a medio tempo, más densa y con los teclados saturados, mientras que el pop-rock se abre paso en la media Devo “Futuro”.
Ese clima con las guitarras robándole el protagonismo a los teclados y sintes sigue de buena manera en “Invasión”, y se cierra con la histérica “Ojala te calles” con guitarra funky.

LA CONDENA DE CAIN-”VENDAVAL”
Tercer disco del grupo formado en 2004 por un combinado de chubutenses y porteños que cultiva el genero de rock alternativo con letras de fuerte compromiso social.
El grupo esta integrado por Sawa Mielnik en la voz, Matías Westerkamp en guitarra, Marcelo Di Giovanni en bajo, Daniel Jinkis en la batería y Héctor Cantín en teclados y saxo.
El disco abre veloz y urgente, distorsionado con la urgente “Viejo Topo”, Vendaval” tiene un arranque más grunge, mientras Sawa se mete en un relato existencial.
“Nuevo dolor” tiene todos los ropajes musicales y liricos de un medio tempo grunge, crudo y desgarrador, mientras que “Vuelo” es un funky más sucio con una base medio dance.
“Dios seguridad” arranca con un desgarro y una letra con muchas criticas de Sawa y luego un riff con wah wah lo mete en un denso grunge bien poderoso.
Para este disco, La Condena decidió confiar en Ale Kurz de El Bordo y en el experimentado Ale Vazquez como productores, que acentuaron el perfil guitarrero y combativo de la agrupación pero le dieron un brillo especial a las letras, como en el caso de “libertad”, que suena bien épica.

El jazz más allá del jazz – Clarin

admin — Tue, 11 Nov 2014 23:04:29 +0000

No-Jazz Collective, en La Usina del ArteSus creadores cuentan de qué se trata la propuesta, que presentan hoy y el sábado.

Sehinkman, Fernández, Sanguinetti y Sorín. Unidos por las coincidencias.

En el marco de la programación de jazz de La Usina del Arte, la noche de hoy estará dedicada a las propuestas lideradas por marco Sanguinetti (Cuarteto) y Nicolás Sorín (Octafonic), y la del próximo sábado a las encabezadas por Cirilo Fernández (Fernández 4) y Esteban Sehinkman (ES4).

Las cuatro, partes integrantes del colectivo No-Jazz Collective, creado, según Sanguinetti, a partir de “la coincidente sensación de estar haciendo -cada uno con su propia identidad- algo muy difícil de catalogar; con la consecuente dificultad para encontrar lugares en los que poder tocarlo”.

“Estamos en un purgatorio musical”, grafica Sorín; una situación que, aclara, tiene su lado malo -”al no poder rotular lo que hacemos, cuesta explicarlo”-, pero también su costado favorable. “No estar catalogado bajo un determinado rótulo te da ciertas ventajas”, dice; y agrega: “Podemos ser irreverentes, en el sentido salirnos de la caja. Sin por eso decir que lo que está dentro sea malo.”

A propósito, hace unos días, Javier Malosetti dijo que No-Jazz es más jazz que la mierda.

Los cuatro: Es verdad.

Sorín: El jazz es una constante guerra de estilos. Al swing le apareció el bop; al bop el hard. Creo que todo el tiempo se están metiendo el dedo en el culo para tratar de salirse de caja. El jazz es eso. Es tratar de decir no a lo viejo.

Fernández: Lo interesante es que más allá de ese intento, nosotros arrancamos tocando en clubes de jazz. No arrancamos en el No-jazz. Y lo que hacemos, desde la actitud, ese esencialmente jazzero.

Sorín: No se trata de plantar bandera de tal o cual estilo; cada uno está en un camino musical; y el hecho de decir ‘no-jazz’ es una manera de sacarle peso a la cosa. Es como un ‘fuck you’, un pequeño guiño de ojo punk hacia toda esta cosa de los géneros. A mí no me interesa el estilo; me interesa que la cosa esté bien.

Sanguinetti: No debe ser tomado como algo irrespetuoso. Reconocemos la muy buena música que hacen muchos tipos abocados al jazz, y de ningún modo esto pone en duda nuestro amor por esa música.

Sehinkman: Es una posición optimista; de pensar cómo se revive la música que nos interesa hacer. Si no, de otra manera, el jazz está un poco muerto. En ese punto, en No-jazz también se abre cierta especie de pregunta.

Sanguinetti: Es que parece inevitable caer en esto de encasillar si es bailable o no, si tiene letra, si es más o menos rockero, o si es eléctrico o acústico. Y creo que a todos esos conceptos hay que pensar en pegarles una trompada, y permitirse pensar en cómo es la música, desde la libertad más pura posible. Sin que importe qué cosa es.

MR Movies Review

admin — Wed, 21 Nov 2012 18:15:14 +0000

THE CAT VANISHES

Before my recent viewing of “The Cat Vanishes”, I was unaware of its Argentinean director, Carlos Sorin. Apparently this film is a departure from the usual types of realistic and simple dramas that Sorin is known for and in a recent interview with him, he has stated that this one off experiment would be just that. The reason for this is because he found the stylized world of his Hitchcock homage to be an incredibly hard film to make. Watching the film you would not know it because Sorin has created such a great little film, he always seems in total control of it, and it is a shame that he will not make another suspense thriller like this again. When it comes to the homage of the work of master filmmaker Alfred Hitchcock, many have tried, but amazingly a lot fail, however Sorin has done a brilliant job of creating the wonderful suspense of a Hitchcock film without totally aping his style.

The film is about a middle aged couple, Luis and Beatriz, who are both trying to readapt to one another after Luis’ forced stay at a mental institution after a serious and violent breakdown. Luis, before the breakdown, was a mild mannered and kind man who appeared not to have a violent bone in his body. He was happily married to Beatriz for many, many years and worked as a teacher at the local university. However that all changed one day when he suspected that his friend and assistant at the university, Fourcade, was trying to steal his lifelong work; his magnum opus he was wanting to be published. The paranoia in his mind caused him to snap and he violently lashed out at both Fourcade and his own wife with whom he accused of being a traitor and helping Fourcade in the deception. After his stay in the institution and being put under specific medication, Luis’ doctors concluded that he was cured and that the likelihood of him recommitting his crimes was nil, thus he is released into the care of his wife. While Luis is now well and medicated and Beatriz has forgiven him understanding he was not himself during his attack, the memory of what happened isn’t easily forgotten by both, making it hard to adjust to each other once more. Beatriz is still terrified that it may all happen again, while Luis is just trying to get on with his life, all knowing what he did to the person he loves most. It isn’t until the family cat goes missing though that Beatriz starts to seriously think that Luis may not be cured after all. Just prior to the cat disappearing, Luis had an altercation with it, and Beatriz starts thinking the worst. Not only that but Luis’ weird behavior like hearing noises that no one else can hear, or manically reorganizing his bookcases at three in the morning, give Beatriz more cause to concern. Is Luis really cured or is his weird behavior just his way of readapting to life outside of the institution? Does Beatriz have a right to worry or is her imagination getting the better of her?

This is such a great film. Admittedly it is very low key but it is so well made. The opening half an hour of the film travels at a deliberate pace as we meet our main characters and see them dealing with their situation. We witness Luis as he looks at the world with new eyes, almost as though this is the first time he has truly seen everything around him. Meanwhile, Beatriz does her best to act like everything is normal but it is obvious she is concerned. Everybody who comes in contact with her husband she confronts and asks them of their opinion of him, and they are unanimous in thinking he is just like he was before the breakdown. Even with all of this reassurance, Beatriz is still worried, and it really is Beatriz’s film as we predominantly follow her. It is through her eyes that we witness the story of “The Cat Vanishes” as her nerves and imagination make everything Luis does seem sinister and dark. As she gets more and more sure that Luis is still in fact insane, the suspense of the film continues to build and visually it becomes more stylized and dark.

When trying to create an homage to Alfred Hitchcock, one must be aware of his great visual storytelling abilities. Sorin definitely understands this and fills the film with beautifully composed and impeccably staged shots. His camerawork is smooth and expressive but never too flashy that it draws attention to itself. As I mentioned when Beatriz’s paranoia gets the better of her, the film becomes more stylized and Julian Apezteguia gorgeous lighting comes to the forefront. Suddenly shadows play a huge part in the look of the film, as well as the staple of the suspense film: the horizontal blind. Both are used brilliantly causing maximum suspense as the colour of the opening half of the film slowly gives way to darkness towards the end. Some of my favourite shots in “The Cat Vanishes” are when Sorin separates husband and wife in the same shot to create either suspense, drama or suspicion. My favourite example is when Luis is seen on the left hand side of the shot lying on his bed laughing at the television, while on the right hand side we see Beatriz clothed sitting on the toilet crying because she is terrified of her husband. It is a great visual moment and is dramatically palpable. Deliberately Luis’ side of the shot is brightly lit and full of colour, while in the bathroom it is dark and the red walls of the room stand out dramatically. Another shot I loved and that was very Hitchcockian is a close up of Luis holding a knife in the foreground, as Beatriz enters through a door in the background, instantly shocked by the knife. It is so well done, because the way the shot has been framed, we feel exactly what Beatriz feels even though Luis may be doing something innocent with the knife; it is a very dramatic shot. Something that Hitchcock relied on heavily in his films was the subjective shot. What this means is that we first see a shot of a character looking at something, which is then followed up with a shot of what that character is actually seeing. Sorin employs this technique brilliantly as the majority of the second half of “The Cat Vanishes” is told via this subjective method.

From an acting point of view, Beatriz Spelzini (who plays Beatriz) is just magnificent. She is the heart of the film and she carries it brilliantly. Her portrayal of difficult emotions of happiness while still feeling fear, and guilt for not trusting the man she loves all come across powerfully. You really feel for this poor woman. If you think about it, it really is a tough position she is in. She was a victim of her husband’s violent outrage, but it all happened when he was under the influence of a breakdown, and although he is now cured that memory is still with her, so it is only human nature that it would be hard to trust the man she loves so readily again. Through Spelzini’s performance you understand all of this and just how hard it is for her. Luis Luque’s performance (as Luis) is quite a playful one because he has the job of not letting the audience know if he is in fact cured or not, therefore he always has a shifty look in his eye. The scene when he is organizing his bookcase is a good example because that is all he is doing (or is he?) but he looks so guilty when Beatriz catches him. It certainly looks as though Luque had fun with the role.

One thing that I appreciated with “The Cat Vanishes” is the plotting of the film and the fact that when I thought I was ahead of the film, it proved me wrong every time. Carlos Sorin penned the script himself and I loved the fact that it existed within itself from beginning to end. What I mean by this is that its tone was consistent all the way up to the finale. To be honest, “The Cat Vanishes” is a very slight tale, there is no violence, little blood, no obscenities and yet it is packed full of suspense. When it comes to the end of the film, it stays true to what has come before it; it is a simple ending but a brilliant one. It doesn’t suddenly become an action or a chase film, it stays true to itself. Although the world presented in “The Cat Vanishes” is a stylized one, Sorin also grounds the film in a reality with the characters that fill the world doing things that are quite normal in the situation faced. Like I said above, Sorin fills the story with moments that appear to be twists but turn out to be something all together different, but like everything else in this film, they fit perfectly with the story being told and never feel out of place.

Another thing that I must make mention of is Nicolas Sorin’s (yes, he is the director’s son; talk about nepotism) fantastic score. It actually has an old fashioned quality to it and early on it is quite playful, however by the end of the film it turns into a full on suspense score while at the same time never being derivative of anything from the past.

Overall, I thought Carlos Sorin’s Hitchcock homage was a delightful film. He added the Hitchcock elements perfectly to the film from the title (which is obviously a take-off of “Vertigo”, I joke, it is “The Lady Vanishes”), to scenes of characters eating, the psychological mumbo jumbo of doctors and best of all, the visual side of Hitchcock’s genius. While “The Cat Vanishes” is a slight film, it is a perfectly executed tale that keeps you guessing until the end. It is endlessly suspenseful and has a great kick in its tail. It also has a fantastic dream sequence that is beautifully disguised as reality. I recommend it whole heartedly and think it is a film that will be re-watched significantly in my own home.

4 Stars.

Un terso drama – Clarin

admin — Wed, 21 Nov 2012 18:08:51 +0000

Padre e hija Awada y Almeida, en dos interpretaciones notables.

“DÍAS DE PESCA”, DE CARLOS SORÍN

Un terso drama

Alejandro Awada interpreta a un alcóholico en recuperación, que viaja al sur para pescar tiburones y reencontrarse con su hija.

15.11.2012 | Por Miguel Frías

[email protected]

Como se viene publicando y publicando: en Días de pesca, Carlos Sorín vuelve a la Patagonia, a las road movies agridulces y emotivas, a las películas con actores profesionales mezclados con lugareños -tiernos, nobles, ingenuos: antihéroes queribles- que hacen de sí mismos. Y sin embargo, si la comparamos con Historias mínimas , ícono del cine alla Sorín,Días… es, en muchos aspectos, muy distinta.

Esta historia protagonizada por Alejandro Awada -en el papel de Marco, porteño de clase media pudiente, alcohólico en recuperación que viaja a Puerto Deseado para pescar tiburones y reencontrarse con su hija- rehusa, casi, de la narración verbal. No decimos que carezca de diálogos. Ni, mucho menos, que en Historias… Sorín subestimara los silencios. Al contrario: los usaba con intensidad. Pero en Días… los convierte en esencia, en vacío elíptico, en supresión gramatical para que el espectador reconstruya.

Reconstruir: es lo que también intenta Marco. Reconstruir, en lo posible, su vida. Pero sobre todo la relación con su hija (Victoria Almeida). Durante la secuencia del reencuentro entre ambos, en apariencia natural, sentimos o intuimos el abandono de él, su temporada en el infierno, la amargura y el rencor de ella. La charla es trivial, la que podría tener casi cualquier padre con su hija -que además acaba de ser madre-, aunque se va agrietando a partir de ínfimas incomodidades, de gestos, de posturas corporales. El trabajo de Awada y Almeida es minimalista: magnífico.

Otro cambio notorio en Sorín es que dejó de lado el humor irónico, en especial el de su mirada -tan aguda como paternalista, tan porteña como empática- sobre los personajes lugareños. De hecho, el foco de Días… no está puesto en ellos. Acá la Patagonia no es un territorio a explorar sino un lugar ajeno y al mismo tiempo balsámico. El protagonista está tan extraviado como Bill Murray en Perdidos en Tokio . Pero intenta integrarse a ese universo distinto que lo alivia: la mayor parte del tiempo con la dolorida sonrisa del paciente que recibe visitas. El desamparado es él, no el mundo que lo rodea, cuyas reglas son naturales, no solidarias exageradamente.

La fotografía, de Julián Apezteguia, tiene, sí, la belleza melancólica (y profesional) de otros filmes de Sorín. La música, de Nicolás Sorín, también es bella y melancólica. Sorín padre la utiliza, por momentos, de un modo demasiado ostensible, lo que genera un cierto efecto edulcorado, levemente contradictorio con el tono general austero .

Sorín dijo que filma cuentos, no novelas. Que por eso sus filmes no suelen superar la hora y media. En esta analogía literaria, Días… se alinea con el estilo Chejov: un breve y terso drama humano.

El Piazzolla más electrónico – La Nacion

admin — Thu, 20 Sep 2012 00:12:23 +0000

Escalandrum y un homenaje al bandoneonista con las Cuatro estaciones porteñas

Pipi Piazzolla, en los tambores, al frente de la formación ampliada de Escalandrum. Foto: GCBA

La necrología tanguera (algo que es muy frecuente) termina siendo funcional a la investigación histórica y en este caso se justifica especialmente ya que Piazzolla ha sido uno de los músicos que más ha buscado alternativas para el género y de la manera más personal.

Su nieto, el baterista Pipi Piazzolla, encabezó, en el Centro de Exposiciones, ese espectáculo que había llegado como una propuesta de la organización del festival para evocar al Octeto Electrónico de Piazzolla. El baterista contraofertó con un concierto que fuera un guiño a aquella formación (de hecho, contó con un piano y dos sintetizadores, con aquel grupo de Astor), pero con la estructura ampliada de su grupo Escalandrum y un repertorio limitado a las cuatro estaciones porteñas, más un bis en caso de que el público lo reclamara. Y así sucedió.

Pipi sufre de incontinencia verbal. No puede (ni quiere) sosegar su verbosidad al punto que durante los 54 minutos que duró la presentación (sin el bis) se escucharon sólo cuatro composiciones. El resto estuvo ocupado por sus parlamentos que incluyeron, agradecimientos, anécdotas y explicaciones sobre la gestación de arreglos e interpretaciones, algunas veces innecesarias. El problema es que al ser tan buen artista (lo mismo que todos los que estuvieron con él, sin excepción) podría ser un poco más generoso con la cantidad de música que ofrece.

Los arreglos que preparó con Nicolás Guerschberg y los originales que tomó de distintas formaciones de su abuelo fueron exquisitos. Quizás algunos tramos de “Invierno porteño” y “Verano porteño” sonaron con cierto recato, aunque con detalles muy sutiles como la emulación desde sonidos de la música electroacústica o climas generados con una guitarra con muchos procesadores de efectos. Por otro lado se destacaron las versiones de “Primavera” y “Otono”, por la intensidad interpretativa. En la primera de éstas el trabajo del bandoneonista Lautaro Greco y del pianista Guerschberg, sobre swing de jazz fue sobresaliente. Pero, para ser justo, hay que mencionar al resto del grupo. Pipi (batería), su papá Daniel (percusión), que fue parte del Octeto Electrónico de Astor, a principios de los setenta; Mariano Sívori (contrabajo), Lucio Balduini (guitarra), Nicolás Sorín y Esteban Sehinkman (teclados) y una sección de saxos y clarón integrada por Damián Fogiel, Gustavo Musso y Martín Rur.

Un disco cosmopolita – La Nacion

admin — Thu, 20 Sep 2012 00:07:59 +0000

Sorín presenta el debut discográfico de su octeto

Según su definición, la palabra cosmopolita se aplica a personas, no a cosas ni lugares. Pero es frecuente que se use como una característica de ciertas ciudades. Además, en inglés se utilizó para llamar una revista (hoy tiene su edición en la Argentina) y un trago de cóctel. Es por todo esto que el pianista, cantor y compositor Nicolás Sorín está perfectamente habilitado para hacer uso (sin abuso) de esta palabra para referirse a su disco solista.

Demorado disco. Porque el proyecto de banda que creó tiene una década. Surgió durante su estada en los Estados Unidos, cuando estudiaba música en el Berklee College. En 2008 hizo una versión vernácula en formación de octeto más invitados (una verdadera orquesta). Y recién a fines del último año lanzó la placa, que tendrá su presentación en vivo este mes.

Más allá de la definición y del título, su disco es de muchas partes, pero lo importante es que en las diez composiciones incluye elementos que le dan una identidad. Con unos pocos pudo plantarse sin tambalear y luego dejarse llevar por la imaginación y la información que trae consigo.

Sorin Octeto es una orquesta integrada por músicos de extracción jazzera que tienen, como su líder, música argentina y otras influencias mezcladas en su ADN. De ahí que tanto la originalidad de la composición como la buena pericia para interpretarla queden al mismo nivel y den como resultado un disco de tan fina factura. El octeto es, ante todo, un grupo instrumental que se nutre de distintos materiales. Sorín no busca la complejidad ni se desvive por la búsqueda de la originalidad. Termina siendo personal con lo que tiene a mano, que no es poco. Así, Cosmopolitan es un equilibrado cosmos de influencias plasmadas en una paleta tímbrica bien delineada. Y lejos del cocoliche que pueden ser esos discos que tiene un tema de rock, otro de pop, otro de cumbia y después un vals, este compositor adopta herramientas con gran sutileza. Tiene toques circenses, de cabaret de principios del siglo pasado, disco-soul de los 70, expresiones de fusión al estilo Bela Fleck, fraseos vocales de cierto rock progresivo (temas como “Abraxas” y, en menor medida, “Hey Mike”, podría ser una excelente manera de actualizar el sonido del grupo Genesis de mediados de los setenta).

Sorín también maneja la dinámica grupal con sorpresivas intervenciones de guitarras bien distorsionadas y rockeras, se arriesga a la travesura de parlotear en ruso o de hacer pogo con un clásico del tango y de colar el pulso del huayno en el tema que cierra el CD; todo eso decorado con guiños del jazz, que están siempre presentes en la sonoridad que hoy producen los músicos del Río de la Plata.

Cosmopolitan es una placa con una decena de temas que atraviesan muchas situaciones sin correrse demasiado de su lugar. Esa es otra virtud que se puede ir descubriendo con escuchas atentas..

The Cat Vanishes Review l Screen

admin — Wed, 19 Sep 2012 23:36:44 +0000

This nicely packaged film by veteran Sorin successfully balances humour and suspense in what might come across as a mere chamber play in lesser hands. Focusing on an well-respected academic just released from an institution after suffering a nervous breakdown and the translator wife whose own mental state deteriorates after he returns home and attempts to get his life back, it holds the viewer’s attention with subtle comic touches coexisting with chilling scenes of her hallucinations and more ambiguous shots of his blank face post-treatment.

The CatVanishes (El Gato Desaparece) is not a thriller per se, neither is it a comedy, but more of an exercise in fusing form and content.

Sorin proves that he is as adept at capturing an upper-middle-class milieu in Buenos Aires as the more working-class Patagonian settings ofIntimate Stories andBombon: El Perro. Some Spanish-language markets are guaranteed, but its art-house future in other large cities is questionable.

Even in the couple’s warm, Frank Lloyd Wrightish home, cinematographer Julian Apezteguia shoots in a heavily noirish style (characters filmed menacingly from below, ubiquitous shadows), which tells us more about their states of mind than exposition would. The claustrophobia inherent in this ambience infects the plotlines as well: The man is lost, no longer employed (“I’ve ceased to exist”), while she feels trapped after some unspecified number of years managing on her own.

The marketing challenge with a two-hander filmed in this manner is that it renders the enterprise slighter than if it were opened up more. The Cat Vanishes (El Gato Desaparece) is not a thriller per se, neither is it a comedy, but more of an exercise in fusing form and content.

What could be a tool to generate interest is the phenomenal level of the acting: Both Luque, playing Luis the professor, and Spelzini (who looks like a cross between Melissa Leo and Isabelle Huppert), as his wife Beatriz, give striking performances: his as a now “relaxed” man (he’s on lots of psychotropic medication); hers as a passive, dutiful housewife and mother until she becomes whipped into a schizoid frenzy. The camera frequently lingers in tight close-up on their expressive faces.

Luis had been committed to the mental institution on account of his violent reaction when he suspected a colleague, Fourcade (Sigman), of stealing the research he had done over 15 years for a book on the philosophy of history. In the opening sequence, we see photographs of Pablo’s smashed-up face when a group of doctors are deciding whether or not Luis is ready to re-emerge into the outside world. They are engaged in a serious discussion of Luis’s paranoia when Sorin cuts to a caricature the head psychiatrist, himself goofy looking, is drawing of a colleague. Always a filmmaker and screenwriter of precision, he signals the twin tones of the movie right up-front.

Once he is out, Beatriz becomes more and more nervous, walking on eggshells while releasing her own psychological demons. She becomes more and more obsessive and anxious. Although she expects his condition to recur (the cat of the title is their black house pet, whose disappearance and her suspicion that her husband killed it trigger her emotional disarray), Luis turns out to be the more stable of the duo. She seeks validation, asking her daughter and one of Luis’s ex-students to confirm that he appears odd; to her chagrin, they do not comply.

A scene between Fourcade and Beatriz in her car is significant. His oddly cackling mobile ring tone anticipates an important twist later on. And his presence there raises the unanswered question: Was she having a fling with the man who plagiarised her husband?

Their home recalls the Hollywood melodramas of the 1950s, as does part of the score (by Sorin’s son, Nicolas), when it’s not connoting generic disequilibrium. By the end of the film, the music has mellowed, and so has the irrationality afflicting Luis and Beatriz. Somehow, it works.

Production company: Guacamole Films
International sales: Bavaria Film International, www.bavaria-film-international
Producers: Patricia Bustamante, Juan Pablo Galli, Juan Vera Alejandro Cacetta
Cinematography: Julian Apezteguia
Editor: Mohamed Rajid
Music: Nicolas Sorin
Main cast: Beatriz Spelzini, Luis Luque, Maria Abadi, Norma Argentina, Hugo Sigman

El Gato Desaparece Review l Variety

admin — Wed, 19 Sep 2012 21:27:02 +0000

The Cat Vanishes

El gato desaparece

By ROB NELSON

Luis Luque and Beatriz Spelzini have to face their psychological problems in “The Cat Vanishes.”

A Bavaria Film Intl. presentation of a Guacamole Films, Patagonik production, with support of Incaa. (International sales: Bavaria Film Intl., Geiselgasteig, Germany.) Produced by Patricia Bustamante, Juan Pablo Galli, Juan Vera, Alejandro Cacetta. Directed, written by Carlos Sorin.

With: Luis Luque, Beatriz Spelzini, Maria Abadi, Norma Argentina, Damian Guitan, Javier Niklison, Hugo Sigman.

Playing with ’40s-era Hitchcock as a cat would toy with a mouse, Argentine writer-director Carlos Sorin’s “The Cat Vanishes” cleverly updates the likes of “Spellbound” and “Suspicion” with its slow-burning tale of a Buenos Aires woman (Beatriz Spelzini) whose fear of her psychologically recovering hubby (Luis Luque) gradually drives her as crazy as he was — and maybe still is. Subtly and acerbically funny, Sorin’s pic also works as a dead-serious study of marital mistrust and potentially murderous impulses. This “Cat” might not have nine lives at the international B.O., but fests far and wide will undoubtedly want to pounce.Stylishly shot in widescreen, the film is named for the sudden disappearance of Donatello, the married couple’s pitch-black feline, who hisses at the husband and scratches his face before departing for places unknown. Seems Donatello may be the cat who knew too much, at least about Luis (Luque), a middle-aged university prof newly sprung from psychiatric lockup after having brutally assaulted a colleague whom he had believed to have stolen his research.

Suspicion evidently runs in the family. Initially thrilled about Luis’ return home, his wife, Beatriz (Spelzini), develops a sneaking sense that Luis’ previously diagnosed “psychomotor agitation with behavioral disorder” may not have been cured.

Give or take the vanishing cat, Sorin (“The Window”) rather brilliantly renders the sources of Beatriz’s mounting anxiety as falling somewhere between legitimately frightening and absurdly misconstrued. The pic twists its familiar setup by calling the wife’s sanity into question as much as the husband’s, even as it characterizes the threat of male violence as a pervasive fact of life for a woman. Will Beatriz ever be able to trust or forgive her husband again? And if she can’t, will Luis explode?

En route to a satisfying climax, Sorin has infectious fun teasing the viewer with the possibility of Luis’ malevolence, beginning with the very first shot of him as he’s released from the psycho ward looking roughed-up and surly. If curiosity didn’t kill the cat, Luis — an amateur chef who seems to relish the act of severing fish heads with oversized knives — might well have done the deed himself.

Tech credits are topnotch, with Julian Apezteguia’s increasingly shadowy widescreen cinematography a particular standout. Nicolas Sorin’s old-fashioned, string-based score plays up the pic’s enjoyably melodramatic elements, which include the director’s pre-film warning not to give away the ending.

Camera (color, widescreen), Julian Apezteguia; editor, Mohamed Rajid; music, Nicolas Sorin; art director, Margarita Jusid; costume designer, Ruth Fischerman; sound (Dolby Digital), Jose Luis Diaz; assistant director, Fabiana Tiscornia. Reviewed at Toronto Film Festival (City to City), Sept. 9, 2011. Running time: 89 MIN.

Los Angeles Times – Guerra, Sanz, Drexler and Domm, Favorites at Latin Grammys

admin — Tue, 18 Sep 2012 21:35:27 +0000

LOS ANGELES – Uruguay’s Jorge Drexler, Spaniard Alejandro Sanz, Mexico’s Mario Domm and Dominican Juan Luis Guerra are the favorites to win at the Latin Grammy Awards, each with four nominations, the Latin Academy of Recording Arts and Sciences announced on Wednesday.

Among the other favorites to win one or more awards are Camila, Daddy Yankee, Lee Levin, Tommy Torres and Dan Warner, each of whom has been nominated in three categories.Coming into the event with two nominations each are, among others, Bebe, Ruben Blades, Concha Buika, Andres Calamaro, Dori, Caymmi, Gustavo Cerati, Alex Cuba, El Cuarteto de Nos, Estrella, Maria Gadu, Gilberto Gil, JotDog, La Mala Rodriguez and Vico C.

Others artists who received at least one nomination include Marc Anthony, Miguel Bose, Don Omar, Alejandro Fernandez, Nelly Furtado, Enrique Iglesias, Juan Gabriel, Thalia, Diego Torres and Julieta Venegas.

Gabriel Abaroa Jr., the president of the Academy, said during the presentation at the Avalon club that the winner of the Person of the Year Award will be made known within the next few days.

He noted that the Latin Grammys are not awarded based on artists’ popularity or sales, but rather in accord with the votes they receive from professionals within the music world.

Bebe is up for Album of the Year with “Y,” produced by Carlos Jean; Miguel Bose for “Cardio”, produced by himself and Nicolas Sorin; Camila for “Dejarte de amar,” produced by Mario Domm and Pablo Hurtado; Guerra for “A son de guerra,” produced by himself, and Sanz for “Paraiso Express,” produced by Tommy Torres.

The nominees for Record of the Year include “Tua,” by Maria Bethania; “Se me hizo facil,” by Spaniard Concha Buika; “Mientes,” by Camila; “Una cancion me trajo hasta aqui,” by Uruguay’s Jorge Drexler and “Desde cuando,” by Alejandro Sanz.

The candidates in the Song of the Year category are “Cuando me enamoro,”, written by Descemer Bueno and Enrique Iglesias; “Desde cuando,” by Alejandro Sanz and Tomas Torres; “Las calles,” by Ruben Blades; “Mientes,” by Mario Domm and Monica Velez, and “Una cancion me trajo hasta aqui,” by Jorge Drexler.

The 11th edition of the Latin Grammys will be held on Nov. 11 at the Mandalay Bay Events Center in Las Vegas and will be broadcast live by Univision television. EFE

Cosmopolitan – El Nuevo material de Nicolas Sorin l Terra

admin — Tue, 18 Sep 2012 21:24:47 +0000

Hoy en nuestro portal de Jazz me gustaría recomendar con nuestros lectores el último trabajo del octeto de Nicolás Sorín, me refiero al material titulado “Cosmopolitan”. Quizás muchos ya conocen a la banda pero para los que no están familiarizados les informo que la banda esta formado por: Juan Suárez en trompeta, Gustavo Musso saxo alto y sopranor, Martín Pantyrer en saxo barítono, clarinete y clarón , Nicolás Said en saxo tenom Lucio Balduini en guitarra eléctrica, Mariano Sívori en contrabajo y bajo eléctrico, Daniel Piazzolla en batería y por último pero no menos importante Nicolás Sorín en piano, voz y composición.

Una de las grandes características que destacado al octeto de Nicolás Sorín es su amplia variedad y la capacidad de aventurarse en nuevos ritmos y fusiones musicales sin perder la esencia del Jazz. Una prueba tangible de éste argumento es su single “Hey Mike”, el cual posee un poderoso estilo rockero pero apoyado en cambio de matices el cual resalta la originalidad del tema.

El nuevo material de esta exitosa banda trae nuevos aspectos en arreglos, composición y ejecución; el cual recomendamos ampliamente si eres amante del Jazz local y disfrutas del modernismo